La banda Hostile Array, originaria de la ciudad de Maryland en Estados Unidos, ha lanzado recientemente su EP titulado "Trauma", el cual consiste en una compilación de canciones previamente publicadas como sencillos, pero presentadas ahora en forma de álbum junto con una sorpresa adicional: su nueva canción titulada "Scars".
Si tuvieramos que describir este lanzamiento con una sola palabra, seguramente "emocionalidad", se nos vendrá a la mente de inmediato. Sin embargo, no nos referimos a una carga emocional asociada unicamente a lo que expresan sus letras, que por cierto son increiblemente profundas y cargadas de sensaciones fuertes. Tampoco nos limitamos a referimos únicamente a la impecable composición instrumental ejecutada por los músicos, ni a las impresionantes líneas vocales interpretadas por el vocalista Brendan Frey, si nó que algo mucho mas concreto y que logra una importante conexión con sus oyentes.
“Este EP es una colección de sencillos que sentimos que encajaban juntos en contexto”
Brendan Frey - Vocalista
La complicidad lograda entre todos los factores que componen cada una de las canciones en relación a como la banda comunica su mensaje a través de su interpretación, provoca la sensación de que las canciones fueron escritas con un profundo conocimiento de los sentimientos más oscuros del oyente. Y esto es algo muy dificil de lograr, ya que si bien hay ciertas emociones que todos experimentamos en algún momento de nuestras vidas, como por ejemplo; la soledad, comunicarla a tal nivel de detalle y con tanta pasión y sensibilidad constituye el verdadero desafío que los talentosos chicos de Hostile Array lograron superar con creces.
A medida que el oyente se sumerge en el EP y ya conociendo las demás canciones previamente, surge inmediatamente la sensación de que existe una especie de continuidad entre una canción y otra. No tratandose propiamente tal de una historia contada por capitulos, si no que más bien existe una importante concordancia entre una canción y otra en el orden en que estas están dispuestas. En este EP aquella sensación de continuidad se confirma, siendo su elemento restante que mantenía aquella obra inconclusa; "Scars", la nueva canción de la banda y el ultimo track de este EP cargado de emociones que viene a darle el punto final y necesario para cerrar con broche de oro esta nueva etapa de la banda.
Track-by-track Review
"Wounds": El EP abre con esta increible canción, la cual parece ser una expresión cruda de dolor emocional y la dificultad de superar el pasado. A través de su letra, se reflejan sentimientos de angustia y desesperación ante la idea de que el tiempo debería curar las heridas emocionales, pero el narrador todavía se siente herido y sangrando. Esta canción ofrece una visión introspectiva de los efectos duraderos que pueden tener las experiencias pasadas en nuestra psique.
El narrador expresa su agotamiento al lidiar con las mentiras y la manipulación de alguien más, lo cual está afectando profundamente su bienestar emocional. A pesar de los intentos de enterrar el pasado, sienten que este sigue atormentándolos y consumiéndolos vivos. Los recuerdos y las experiencias pasadas perturban su mente, y les resulta difícil encontrar la paz y la estabilidad mental. Esta lucha interna se convierte en un tema recurrente a lo largo de la canción.
Desde el punto de vista musical, "Wounds" comienza con una introducción poderosa que capta la atención del oyente de inmediato. Las guitarras tienen una presencia destacada, utilizando harmónicos característicos del nu-metal para crear un ambiente intenso y oscuro. A medida que la canción avanza, el coro se vuelve muy pegadizo, lo que hace que sea fácil recordarlo después de escucharlo una sola vez. La melodía del coro es atractiva y atrapa al oyente, pero lo interesante es cómo se equilibra con ciertos cortes en contratiempo de la batería y cuerdas durante la parte que dice "eating me alive". Estos cortes brindan un contraste necesario y sirven como recordatorio de que estamos en presencia de una canción pesada y con una carga emocional intensa.
"Wounds" aborda la idea de que el tiempo no siempre es capaz de curar las heridas emocionales. La canción nos muestra cómo el pasado puede seguir afectándonos y consumiéndonos, a pesar de nuestros esfuerzos por superarlo. La angustia, la desesperación y la lucha por mantenerse mentalmente estable son temas centrales en esta composición. Tanto lírica como musicalmente, "Wounds" logra transmitir de manera efectiva la intensidad de las emociones y la dificultad de dejar atrás los traumas pasados.
"Numb": "Numb" aborda el tema de la insensibilidad emocional y la lucha interna de no poder escapar de sentimientos negativos. A través de su letra, la canción refleja la frustración del narrador al sentir que su paciencia se agota y no saber por dónde comenzar. Expresa el deseo de cambiar y encontrar algo diferente, pero también la sensación de estar atrapado en su propia piel.
El narrador expone su necesidad de un cambio, aludiendo a los posibles "químicos en su cerebro" que podrían estar contribuyendo a su estado mental. Prefiere sentirse entumecido en lugar de experimentar dolor emocional, ya que hay sentimientos de los cuales no puede escapar. La canción transmite una clara desesperación por liberarse de esos pensamientos y emociones que atormentan su mente, pero que no puede expresar abiertamente.
La letra también menciona la idea de la autopercepción y cómo el narrador se ve a sí mismo en relación con lo que quiere mostrar al mundo. Sin embargo, se considera su propio peor enemigo y se siente incapaz de dejar ir ciertas cosas. Esta lucha interna puede resultar agotadora y contribuir al deseo de sentirse insensible.
Desde el punto de vista musical, "Numb" tiene un tinte un poco más alegre debido al uso de las guitarras líderes que comienzan la canción y se mantienen presentes durante los coros. No obstante, esta sensación se ve interrumpida al inicio de cada verso y pre-coro, donde los intensos toms de la batería y una línea vocal distinta generan una sensación de nostalgia. Esto nos hace oscilar entre la felicidad y el optimismo con pequeños toques tristes, lo cual se relaciona perfectamente con el mensaje expresado en la letra: el deseo de "cambiar y encontrar algo diferente" y la sensación de estar "atrapado en su propia piel".
"Cult": La canción "Cult" aborda de manera crítica temas como la hipocresía, la ceguera moral y la falta de responsabilidad personal. A través de su letra, se hace una llamada a no ignorar la conciencia y los valores, y se destaca la fragilidad de construir una base sólida sin enfrentar los problemas.
El narrador desafía la capacidad de autoevaluación de alguien y plantea la pregunta de si están orgullosos de la persona que ven reflejada en el espejo. Al mismo tiempo, se resalta la hipocresía de aquellos que critican la falta de conformidad del narrador, preguntándoles por qué no practican lo que predican.
La canción plantea la cuestión de si este es el tema en el que uno estaría dispuesto a luchar hasta la muerte, si es el lugar donde se decide tomar una postura firme. Se hace hincapié en que aquellos que señalan rápidamente con el dedo acusador son los mismos que tienen responsabilidad en acciones cuestionables.
Se plantea la interrogante de si la persona carece de razón o si está tan cegada por su fe o convicciones que no puede ver la realidad. Además, se expresa una sensación de desesperación por encontrar algo en lo que creer, aunque esto genere un sabor amargo.
En cuanto a la composición musical, la canción comienza con un intro en el que la voz se encuentra en soledad acompañada de sonidos ambientales, lo cual genera una sensación de curiosidad en el oyente. Luego, la percusión se suma con ritmos enérgicos y dinámicos propios de la música Trap, aportando una intensidad y un impulso distintivos., lo que genera un contraste y un sentido de anticipación.
El primer coro de la canción, interpretado una sola vez en lugar de dos, brinda una dosis de euforia, pero de manera incompleta, lo que despierta el deseo de más, lo cual le entrega al segundo y tercer coro de la canción, aquella caracteristica de completa satisfacción. A lo largo de la canción, se utilizan notas disonantes que generan una atmósfera de oscuridad y seriedad.
"Heavy": Heavy" es la penultima canción de este EP. En ella se aborda la lucha interna contra la opresión emocional y la búsqueda de alivio. A través de la letra, el narrador expresa una sensación de pesadez y angustia que lo oprime. Se siente acosado y abandonado, luchando contra pensamientos negativos y dolor emocional.
En la canción, el narrador se encuentra despierto, con las luces apagadas, tratando de combatir el dolor en su cabeza. A pesar de su deseo sincero de abrirse y compartir todo, le resulta difícil encontrar las palabras adecuadas para expresar lo que siente. La incapacidad para dejar ir esos sentimientos y pensamientos intensifica su sensación de estar atrapado en su propia mente.
Además, la canción menciona la presencia de voces persistentes que nunca cesan, lo que puede sugerir la lucha contra pensamientos negativos recurrentes o incluso la batalla contra trastornos mentales. El narrador anhela sentirse bien de nuevo, liberarse de esa carga emocional y encontrar la paz.
El coro de la canción repite la pregunta de si podrán sentirse bien nuevamente, lo que refleja la desesperación y el deseo de encontrar alivio y esperanza en medio de la lucha interna.
Musicalmente, "Heavy" destaca por su potente coro acompañado de guitarras líder que agregan énfasis emocional con notas octavadas y slides a lo largo del mástil. Esta técnica, comúnmente utilizada en géneros como el rock alternativo, el pop-punk y el metalcore, demuestra la versatilidad y habilidad de los guitarristas Héctor Fernández y Garrison Frey a lo largo del EP.
La bateria y el bajo de esta canción ejecutados por el baterista Fredy Menjivar y el bajista Brody Barbour hacen hacen una perfecta combinación, debido a que a lo largo de cada verso, ambos toman una importante presencia. Con arreglos complejos en hi-hat y notas muy precisas en el bajo, ambos añaden aquel componente de virtuosidad necesario para hacer de esta una de las mejores y mas memorables canciones de la banda.
"Scars": "Scars" es el cierre perfecto para este album. Si escuchamos las canciones en el orden en el que están dispuestas, esta canción es la dosis de emoción faltante para completar esta increible colección.
En esta cancion el narrador habla sobre el proceso de reconstrucción personal después de atravesar situaciones difíciles y dolorosas. A través de la letra, se plantea la pregunta de si las experiencias pasadas están distorsionando la percepción de la realidad o si es algo humano ver más allá de lo que está frente a nosotros.
La canción habla de la sensación de estar aislado y carente de claridad, como si la ilusión y la desilusión estuvieran alterando la realidad. Sin embargo, el velo se ha rasgado y se siente la capacidad de respirar nuevamente. Se trata de recoger las piezas que han sido arrebatadas, reconstruyendo lo que se ha perdido.
El peso y el costo de comenzar de nuevo son mencionados, al igual que el dolor y la pérdida asociados con ese proceso. La canción invita a desvelar las capas y revelar todas las cicatrices, demostrando que se ha llegado hasta aquí pero que se está empezando de nuevo.
En la parte final, se habla de la capacidad de ver y respirar, pero también se reconoce que no queda mucho de la persona. Sin embargo, el velo se ha rasgado y finalmente se siente la libertad. Se menciona la intención de reescribir la historia y tomar el control sobre la propia vida.
A estas alturas del EP "Scars" es una especie de climax para el oyente, sobretodo debido a que posee un poderoso breakdown plagado de ira y energia ejecutadas por medio de diferentes tecnicas de voces guturales que acompañan al oyente hasta el final de la canción, liberandose como una especie catarsis necesaria luego de todas aquellas profundas emociones reprimidas y expresadas a modo de cuestionamiento a lo largo del EP que en esta oportunidad se dejan ver desde un punto de vista liberador que deja en evidencia la evolución del ser huamano através del cuestionamiento de la vida misma tras atravesar diversas situaciones que le inquietan para finalmente encontrarse con un nuevo ser dentro de si mismo.
Sin Duda, Hostile Array, es una gran banda la cual en su música siempre nos entregará una increible y profunda experiencia auditiva. En esta impresionante obra te transportará a través de la introspección y la catarsis mental, y te dejará con una sensación de liberación y renacimiento. Invitamos a toda nuestra comunidad a no perderse la oportunidad de sumergirse en este gran disco y descubrir la magia de los chicos de Hostile Array.
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